Por mais que os cineastas tentem transmitir seu ponto de vista, às vezes as pessoas simplesmente não entendem. Um filme mal compreendido não é indicativo de seu valor artístico, já que a maioria dos artistas talentosos geralmente incorpora um elemento de sutileza em seu trabalho. Sutileza é o que torna muitos filmes excelentes, mas provou ser confuso para algumas pessoas.
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Alguns dos maiores filmes foram criticados (ou elogiados) devido à incapacidade do público de entender exatamente o que o filme/cineasta estava tentando dizer. Não tenha medo, porque vamos esclarecer as coisas, então coloque seu boné para pensar. É hora de ficar introspectivo.
‘Clube da Luta’ (1999)
Brad Pitt e Edward Norton em Clube da Luta
David Fincher de comédia negra adaptada de Chuck Palahniuk de novel was a controversial film, to say the least. The reviews were generally pretty mixed, with some claiming the film was genius and others claiming it was crass, misogynistic, and promoted violence. While on the surface these criticisms might seem accurate, they are actually far from the truth. Clube da Luta é sobre os prejuízos do consumismo para a alma humana. A criação de um grupo de apoio para que pessoas com problemas possam voltar à vida vem da ideia de autodestruição como uma forma de rebelião contra um mundo que valoriza tanto o dinheiro, o status e o poder. Quem assistir ao filme com atenção perceberá que Marla Singer ( Helena Bonahm Carter ) é o verdadeiro herói do filme. O Narrador ( Eduardo Norton ) a despreza devido ao seu baixo status e comportamento 'lixo', mas também a inveja, pois sua capacidade de caminhar pela vida sem o menor cuidado do mundo com o status público ou a decência social é uma ideia extremamente atraente para o nosso protagonista preso na armadilha das 9 às 5. No final, o Narrador aprende a respeitar Marla pelo que ela é e se preocupa profundamente com ela.
O argumento de que o filme promove a masculinidade tóxica é compreensível, mas aqueles que pensam isso não entenderam completamente. Enquanto Tyler Durden ( Brad Pitt ) e sua gangue de desajustados podem criar uma energia tóxica, é essa mesma energia que se torna um problema para o Narrador, não uma solução. O clímax do filme mostra o Narrador lutando para desfazer o dano que Tyler causou e, embora ele não tenha necessariamente 'sucesso', ele encontra o meio-termo entre a autodestruição e o auto-engrandecimento, e admite seus verdadeiros sentimentos por Marla no processo. Na verdade, é meio saudável.
‘Uma ruga no tempo’ (2018)
Adaptando Madeleine L’Engle de um romance lindamente fantástico que se passa fora da estrutura do espaço e do tempo não é uma tarefa fácil, e poucas pessoas deram Ava DuVernay o crédito que ela merecia por assumir uma tarefa tão difícil. Uma ruga no tempo foi universalmente criticado pela crítica e pelo público, por razões como má direção, má atuação, má fotografia e mau CGI, todos dados. Curiosamente, poucas destas críticas realmente se aplicam.
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Muitas pessoas alegaram que o filme foi um desastre CGI que não incorporou nenhum dos temas de Madeleine L'Engle, mas isso está longe de ser exato. O objetivo do romance é amar a si mesmo pelo que você é e celebrar as diferenças que o tornam único, e esse ponto foi perfeitamente representado na visão de DuVernay. Quando a insegura Meg ( Tempestade Reid ) é levada em uma jornada interdimensional para encontrar seu pai há muito perdido, ela acaba encontrando um pedaço de si mesma que desapareceu com seu pai. Ao final de sua jornada, Meg aprende a valorizar a si mesma e a todas as suas falhas em uma sequência extremamente poderosa que a faz se defender contra The IT, uma escuridão que corrompe o universo recorrendo a sentimentos de ódio, raiva, ciúme, etc. Talvez todos tenham se distraído com o brilho e as cores brilhantes, mas o filme de DuVernay tem muito além da superfície, e poucas pessoas pareciam reconhecê-lo. A propósito, aquele glitter que todos alegavam ser tão extra é um símbolo do amor próprio, comprovado quando Meg recebe uma transformação de glitter em miniatura após derrotar The IT e tomar a decisão de amar a si mesma. A aceitação interior cria beleza exterior.
‘Star Wars: Os Últimos Jedi’ (2017)
Daisy Ridley como Rey e Mark Hamill como Luke Skywalker em Os Últimos Jedi
Imagem via LucasfilmEmbora muitos críticos tenham apreciado esta adição nova e única ao Guerra nas Estrelas saga, os fãs não ficaram nada satisfeitos. Muitos reclamaram do assassinato de caráter quando Luke ( Mark Hamill ) foi retratado como um velho rabugento e derrotado que não se importava mais em combater o bom combate, e outros ficaram ainda mais chateados com a falta de Rey ( Margarida Ridley ) progressão como personagem.
Rian Johnson , que dirigiu e co-escreveu Os Últimos Jedi , criou uma nova reviravolta fantástica na história, e o personagem de Luke foi escrito para ser muito mais interessante do que nos episódios anteriores. Embora todos apreciem o esperançoso e ingênuo Luke Skywalker de Uma Nova Esperança , é extremamente irreal esperar a mesma coisa de um Luke idoso 30 anos depois. Luke Skywalker perdeu a fé nos Jedi, mas é Rey quem o corrige e o traz de volta à resistência, dando-lhe um momento final de redenção perto do final do filme. Embora as escolhas artísticas utilizadas para fazer o filme tenham sido muito mais exclusivas do que o seu clássico sucesso de bilheteria de verão, isso não mudou o fato de que a história realmente seguiu os anteriores. Guerra nas Estrelas passos, apenas tomou um caminho diferente. O filme permaneceu fiel a Guerra nas Estrelas ao mesmo tempo em que dava ao público algo muito mais exclusivo do que os episódios anteriores, e poucas pessoas deram ao filme o crédito que ele merecia.
‘Fofos’ (2020)
Maimouna Doucouré o filme foi tão polêmico quando foi lançado que houve uma petição para retirá-lo da Netflix para sempre. A polêmica em torno do filme francês teve a ver com jovens atrizes agindo de forma hipersexual, e muitas pessoas o acusaram de sexualizar crianças. O filme conta a história de Amy ( Fathia Youssouf ), uma menina de 11 anos que se rebela contra sua família religiosa, juntando-se a um grupo de dançarinos em sua escola e fazendo de tudo para mostrar sua feminilidade e sua crescente sexualidade no processo.
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Todo o ponto de Fofos era chamar a atenção para a constante sexualização das crianças, algo com que muitas sociedades têm um enorme problema. As imagens de meninas dançando sedutoramente e geralmente agindo como mulheres adultas deveriam ser chocantes, perturbadoras e promover indignação, mas as pessoas concentraram sua indignação na entidade errada. Alguns reconheceram o que o filme tentava transmitir, mas discordaram da execução, e essa é uma preocupação compreensível. Deveria ser sempre a principal prioridade da indústria cinematográfica proteger os atores infantis no set, mas não havia nenhuma evidência de que alguma das atrizes sofresse quaisquer danos emocionais com o filme, e supostamente havia um psicólogo infantil no set para garantir que as jovens atrizes se sentissem bem com o que estavam fazendo e entendessem por que estavam fazendo isso. Contudo, Fofos é um belo filme sobre a maioridade sobre como se encontrar em um mundo que dá um valor tão grande ao corpo e à sexualidade das mulheres.
‘Psicopata Americano’ (2000)
Christian Bale como Patrick Bateman vestindo um casaco de plástico transparente sobre o terno e carregando um machado em American Psycho
Imagem via LionsgateAhh, a psicopatia de Wall Street. Poucos filmes transmitiram essa mensagem tão bem Psicopata Americano , mas muitas pessoas tiveram esse ponto voando sobre suas cabeças sem ser perturbado. Maria Harron de A obra-prima sangrenta foi criticada por retratar crimes horrendos contra mulheres e promover a violência, mas esse não era o objetivo do filme. Baseado no romance de Bret Easton Ellis, Psicopata Americano dá uma olhada na cultura yuppie através dos olhos do executivo de Wall Street, Patrick Bateman ( Christian Bale ), um psicopata empunhando um machado que passa seu tempo livre malhando, matando o jogo dos cuidados com a pele e dissecando mulheres jovens (em suas próprias palavras).
Embora seja uma comédia, Psicopata Americano de forma alguma glorifica a violência ou o personagem de Patrick Bateman. É uma análise fria e dura dos efeitos do capitalismo e das pressões para obter e manter um estatuto social perfeito. Existem muitos temas sutis que surgem ao longo do filme, mas o maior e mais óbvio é este: o capitalismo, assim como o dinheiro, o poder e o status social da elite, são todos noções psicopáticas. Este tema foi apresentado através do flagrante desrespeito de Patrick pelos outros seres humanos, sua obsessão com status social e sua própria forma física, e sua constante competitividade com seus colegas igualmente cruéis. Sim, o filme é uma comédia negra e retrata crimes perturbadores e violentos de uma forma indiferente, mas é para isso que servem as classificações R. Este não é um filme para crianças, mas é um filme para quem deseja fazer uma viagem introspectiva por aspectos proeminentes da cultura americana.
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